Tras haber pasado tres meses sin nuevas entradas retomo el hilo ocupándome de unos músicos que varían el criterio que he tenido hasta ahora, pues no se trata de un compositor sino de toda una banda y tampoco es propiamente un grupo actual porque se disolvió en 1997 cuando murió su líder, Simon Jeffes. En cualquier caso su estilo y sobre todo su calidad justifican de sobra que ahora hable de la
Penguin Cafe Orchestra
Página oficial
Biografía y otra información de la Wikipedia en inglés, más completa que la versión española
Discografía
• Music From The Penguin Cafe (1976)
• Penguin Cafe Orchestra (1981)
• The Penguin Cafe Orchestra Mini Album (1983)
• Broadcasting From Home (1984)
• Signs Of Life (1987)
• When In Rome... (1988)
• Union Cafe (1993)
• Concert Program (1995)
Sin embargo la banda sigue existiendo después de todo y, según leemos en la propia página oficial, ha sido el hijo de Simon Jeffes, Arthur, el que tomado el liderazgo, se supone que para componer nuevos temas y no sólo para las conciertos, aunque no queda claro que vayan a publicarse más que recopilatorios y remezclas. En cualquier caso hay música de la que hablar, sin esperar a que haya más nueva.
Los temas del primer disco tienen un cierto aire lánguido, como en In a Sidney Motel
o Pigtail
Son piezas breves (muchas duran alrededor de dos minutos) que parecen las partes de un mosaico enorme, encerrando cada una un mundo.
La música de la Penguin Cafe Orchestra se basa en la combinación entre la búsqueda más experimental y una interpretación que remite a lo popular tradicional. A menudo el resultado es el desarrollo minimalista de unos pocos acordes, interpretados por toda la banda. No es necesario nada más para lograr algo tan ingenioso como From the Colonies
Este estilo es una constante en todos los discos de la Penguin. A menudo nos parece que escuchamos una improvisación que casi parece un capricho del autor. Pero la inspiración no viene si detrás no hay un constante trabajo, si no se piensa musicalmente qué se puede hacer, por ejemplo, con un ukelele, como en Paul’s Dance,
del disco que lleva el nombre del grupo y que se publicó en 1981. Otro ejemplo de este tipo de desarrollo es uno de mis temas favoritos del grupo: Air à Danser
Pero la fama de la Penguin Cafe Orchestra viene sobre todo de Telephone and Rubber Band:
Cuentan que Simon Jeffes estaba realizando una llamada telefónica en Australia cuando el tono de llamada típico de los teléfonos del país le inspiró este tema tan memorable. Y si se combina con imágenes de Metrópolis aún se disfruta más.
Junto a éste, el otro gran tema conocido de la Penguin es Music for a Found Harmonium,
cuya calidad ha permitido excelentes versiones, como la de la Patrick Street Band:
Pero no podría olvidarme del que me descubrió el grupo: se trata de Perpetuum mobile,
que, aunque está incluido en Signs Of Life no lo escuché hasta muchos años después, incluido en un recopilatorio que tuvo muchas partes: Música sin fronteras (el nombre tuvo éxito y le siguieron Música sin fronteras II, III, IV, V... pero eso es otra cosa). Había algo de hipnótico en este ritmo que me dejó grabado el nombre (cuando he olvidado la mayoría de los nombres de ese disco). Y cuando lo descubrí en un disco con una portada llena de pingüinos no pude más que entusiasmarme con Giles Farnaby’s Dream:
o Scherzo and Trio,
grabados, regrabados, versionados en cada nuevo álbum, sin perder nunca esa alegría intrínseca, ni siquiera en 1997.
Desde entonces, la música de la Penguin se ha usado en numerosas bandas sonoras. Y se sigue usando sin fin, inagotable. No podía ser de otra manera tratándose de un grupo que ya es un clásico.
viernes, 2 de abril de 2010
Músicos instrumentales actuales: Penguin Cafe Orchestra
miércoles, 30 de diciembre de 2009
Yann Tiersen
Como regalo de Navidad ahí va el que seguramente es el más popular de los músicos instrumentales de hoy:
Yann Tiersen
Biografía y otra información de la Wikipedia
Discografía
· La valse des monstres, 1995.
· Rue des cascades, 1996.
· Le phare, 1998.
· Tout est calme, 1999.
· Black session, 1999.
· L'absente, 2001.
· Le fabuleux destin d'Amelie Poulain (BSO), 2001.
· C'etait ici, 2002.
· Good bye, Lenin! (BSO), 2003.
· Yann Tiersen & Shannon Wright, 2004.
· Les retrouvailles, 2005.
· On tour, 2006.
· Tabarly, 2008.
Su popularidad le viene sobre todo de la extraordinaria banda sonora que compuso para la película Amélie, cuyo tema central es La valse d'Amélie.
No creo que exista hoy alguien en todo el mundo (occidental) que no haya escuchado esta fabulosa melodía.
Además, es que es imposible imaginar la película de Jean-Pierre Jeunet sin su banda sonora. Es más: la banda sonora ha trascendido a la película y ésta no logra estar a su altura. Sí, es verdad que Audrey Tautou tiene un gran magnetismo y está encantadora, pero es como si la trama fuera explicada por la música. Yo estaba más atento a la melodía que a la historia que me contaban, y eso que la historia es cuanto menos insólita y soy de los que han disfrutado con la película, aunque me deje desencantado el resultado, como que me esperaba mucho más por la expectativa de, más que verla, escucharla. Pero volvamos a Yann Tiersen, que es el que importa aquí, y vayamos al primero de sus discos.
La valse des monstres no es tan fácil de localizar como los posteriores, pero ya contiene temas tan conocidos como el que da título al disco,
que también formaría parte de la banda sonora de Amélie. Pero claro, hay muchos otros temas, como este Mouvement Introductif
o este Mouvemente Introductif (violin),
que ya demuestra su faceta de multiinstrumentista: violín, acordeón, piano y más adelante guitarra. Éstos son los cuatro instrumentos (pero no los únicos) con los que se prodiga más. Una vez le preguntaron cuál prefiere tocar y sin dudarlo contestó "la guitarra".
Un año después Yann Tiersen publicó Rue des cascades, tan versátil como el anterior, quizás más experimentador (si eso puede decirse de un segundo disco cuando el primero ya ha abierto la vía) al atreverse con composiciones de corte más críptico y de un sonido cercano a Arvo Pärt (al que también le dedicaré una entrada) en, por ejemplo, La vie quotidienne
o a Wim Mertens en el tema que da título al disco y que supone su primer tema vocal, interpretado por Claire Pichet. Ésta es una increíble versión en directode los conciertos Black Session, la mejor de este tema.
Y también incluye temas muy propios, en esa estética iconfundible que recuerda a veces a la chanson française pero que no podría pasar más que por la suya. Otra gran tema de este disco es [url=http://www.youtube.com/watch?v=83GHZr1kv5Y]La muette[/url], al que algunos, por error, lo atribuyen a la banda sonora de Amélie. Pero claro, el principio vino mucho antes de que lo conociéramos.
El tercer disco de Yann Tiersen fue Le phare. La inclusión de la voz supone en este disco un sonido más cercano al rock y al pop más difundido, pero sin ceder a lo comercial. En Le phare destacan sobre todo dos temas: una canción interpretada por Dominique A que se cuenta entre lo mejor de su discografía, y de los pocos temas de Tiersen que cuenta con un videoclip. Se trata del inolvidable [url=http://www.youtube.com/watch?v=ISCcj9cPy-M&feature=related]Monochrome[/url]. El otro tema destacadísimo es [b]“L’homme aux bras ballants”[/b], una joya que usó el director Laurent Gorgiard para su corto del mismo título que, esta vez sí, es muy digno de la música. [url=http://www.youtube.com/watch?v=X4PJB6XhJ_E]Disfrutadlo[/url], vale mucho la pena.
Pasamos a los discos del año siguiente. En 1999 Yann Tiersen publicó dos discos. Tout est en calme contiene algunos de los temas más clásicos, de los que podremos escuchar si vamos a uno de sus conciertos. Black Session es, justamente, un disco grabado en directo que contiene muchas colaboraciones: Neil Hannon (el vocalista de The Divine Comedy, que ya escuchamos en el último disco de Rodrigo Leao) y cantantes franceses más o menos conocidos, como Christian Quermalet, François Breut, Bernard Lesoir, Bertrand Cantat o el habitual Dominique A. Ya que comparten muchas composiciones las que citaré es como si fueran de ambos discos. El Black Session se abre con uno de los temas más frenéticos de toda su discografía. Aquí, entre las diferentes versiones que hay, voy a permitirme citar la que tocó en el único de sus conciertos que hasta el momento he asistido. Fijaos cómo acaba el arco: [url=http://www.youtube.com/watch?v=i-0IX9t6y_c]Sur le fil[/url] (cómo no, también forma parte de la banda sonora de Amélie). Que conste que, aunque yo estaba entre el público, el vídeo no es mío. Ni tampoco éste de [url=http://www.youtube.com/watch?v=t6lLmGTPFiY&feature=related] Le bras de mar[/url], que expresa la versión extrañamente rockera de cómo toca en los últimos años. [url=http://www.youtube.com/watch?v=q_4MRlew-bI]La terrasse[/url] es otro ejemplo de la tendencia actual de Yann Tiersen. El vídeo corresponde a On tour, una película basada en sus conciertos estrenada en el año 2006.
¿Este estilo tan rockero es un intento de alejarse de la estética de Amélie? ¿Es el simple gusto de basar la melodía en el instrumento que le gusta más tocar? No sé, no me queda claro. Tal vez haya algo de verdad en cada suposición, o tal vez sea la simple evolución de un músico buscando su estilo. La cuestión es que con esto llegamos a la banda sonora de Amélie y al disco por el que lo descubrí, L’absente, que es la base del de Amélie. En una entrevista publicada en la revista argentina Los inrockuptibles, a Yann Tiersen se le preguntó: “¿Cómo ves, retrospectivamente, el éxito de la banda sonora
de Amélie?” Su respuesta fue:
“Cuando estaba grabando L’Absente, Jean-Pierre Jeunet vino a verme al estudio con otras personas. Tuve que gritar para que se callaran, porque estábamos terminando de grabar un tema y todos hablaban… Nunca pensé que sus películas tendrían ese éxito… Jeunet quería que yo escribiera algunos temas para la banda de sonido y le respondí que no tenía tiempo. Al principio, lo dejé revolver entre mis canciones viejas, pero él quiso cambiarlas y me negué. Finalmente, escribí algunas cositas… La música tiene un lugar muy importante en la película. Amélie tiene un costado angelical que molesta un poco, pero tal vez esté ligado a su éxito demencial. Pero hoy en día, cuando alguien me dice que aprendió a tocar el piano con mis temas, sé que es por la música de esa película. Y eso no está nada mal.”
o la alegría de Le jours tristes;
o la suave melancolía de Comptine d’un autre eté
o el balanceo de A quai
que siempre preferí en su la versión incluida en L’absente, con un campanilleo inicial; o la vitalista La noyée;
y así podría repasar cada uno de los temas que componen esta inolvidable banda sonora.
Salto el álbum C’etait ici por ser otro disco en directo de temas conocidos en nuevas versiones y paso a la otra banda sonora de una de las películas europeas más recordada de los últimos años. Se trata, como bien sabéis, de Goodbye Lenin. El tema central es el que abre el disco: Summer ‘78.
Es el más redondo, el más elaborado de todos los que hallamos en esta banda sonora, pues los demás son piezas breves de apenas uno o dos minutos que parecen las distintas partes de un solo tema, segmentado en sus variaciones. No es que lo sean pero es la sensación que transmiten. Lo que sí es cierto es muchos de ellos son la variación del mismo tema, como ocurre con Coma
y Mother’s journey.
Se trata de una banda sonora presentada en una manera más clásica: unos pocos temas compuestos y el resto son recreaciones de los mismos. Este método resta esplendor al resultado final, pero no por eso las composiciones no son tan excelentes como el resto de su obra.
Yann Tiersen tiene en mente dar un vuelco a su estilo. Así, tras el avance que expone en Yann Tiersen & Shannon Wright (otro disco en directo a la manera de Black Session) publica en 2005 Les retrouvailles. Aquí aún queda algún ramalazo de Amélie en Loin des villes,
Les retrouvailles(en esta escena de la película "La Traversée")
o La jetée.
Esto es lo habitual, el sonido con el que identificamos a Tiersen. Pero, como hemos visto en algunas versiones en directo, ahora es más guitarrero y éste es el disco que explora más esta tendencia. Por eso se abre con Western
y contiene otros como La boulange,
así como las canciones interpretadas por Jane Birkin, Liz Fraser de Cocteau Twins, Stuart Staples de Sindersticks y de nuevo Dominique A. De entre todas ellas aquí tenéis Kala,
Plus d’hiver
y Le jour de l’ouverture.
Incluso hay una versión rockera del famoso Valse d’Amelie, incluida en el On tour, que no podría sonar más rara a nuestros oídos acostumbrados al acordeón.
Parece que queda tan lejanos los temas de Amélie si escuchamos éstos. Y sin embargo ya veis que no aún conviven las dos estéticas. Sin estridencias, sin rechinar.
El año pasado Yann Tiersen volvió a las bandas sonoras, en este caso de un documental. No parece que éste por la labor de implicarse en nuevos proyectos de este tipo, tan ajenos a los que tiene en mente. Pero en este caso le presentaron el tipo de documental y el hecho de no ser una mera biografía, sino un atento homenaje al marinero francés Tabarly le convencieron para que compusiese unos temas que en conjunto no llegan a los cuarenta minutos. Aún así, en esa simplicidad de piezas al piano, frente a la variedad y la exuberancia de las anteriores, no significa que no podamos hallar algunas melodías de gran calidad, como la de 8 mm
o Point zero
o 1976.
Recuerdan a los temas de la banda sonora de Goodbye Lenin, tanto en su instrumentación como en su sensibilidad y su duración. Habrá que ver por dónde sigue ahora, si por estas bandas sonoras o por el rock, por algo nuevo. En la Wikipedia hay una publicación de este año, Dust Lane. Se ve que estaba prevista para septiembre, pero Yann Tiersen se peleó con su discográfica, pero al final saldrá a la venta en primavera. A falta de los temas del nuevo disco copio al menos la entrevista que se publicó en el diario El país el pasado 19 de noviembre.
domingo, 13 de diciembre de 2009
Ludovico Einaudi
El siguiente músico es muy afín a Rodrigo Leão, hasta el punto de que salieron juntos de gira. Se trata de:
Ludovico Einaudi
Página oficial
Biografía y otra información de la wikipedia
Discografía
• Time Out (1988)
• Le Onde (1996)
• Stanze (1997)
• Fuori dal mondo (1998)
• Eden Roc (1999)
• I giorni (2001)
• Dr. Zhivago (2002)
• La Scala Concert (2003)
• Una Mattina (2004)
• Diario Mali (con Ballake Sissoko; 2006)
• Divenire (2006)
• Nightbook (2009)
• Cloudland (con Ronald y Robert Lippok; 2009)
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Aunque yo lo habéis adivinado lo reconozco: yo era uno de los fieles seguidores de Diálogos 3, el programa que Ramón Trecet tuvo en Radio 3 hasta el año pasado. Durante los años en que lo escuché descubrí a muchos músicos, algunos fundamentales para mí. Entre ellos, mi último gran descubrimiento del programa fue Ludovico Einaudi.
Para mí fue algo así como el descubrimiento de América, porque ya tenía una amplia trayectoria. Para entonces ya tenía publicados muchos discos y fue como si empezara casi por el final, por sus últimos discos (hasta el momento) en lugar de por los primeros. Quizás haya influido esto para que mi disco favorito sea Una mattina, del que más que uno o dos temas debería citar todo el disco porque es así como los concibe Ludovico Einaudi, no como una serie de temas independientes sino como la lógica continuación de cada uno hasta completar todo un disco. Por eso comienzo por el primero, el que justamente da título al disco:
Perdón por los vídeos. En el Youtube abundan los montajes de fotos de todo tipo que no sólo no tienen nada que ver con el autor de la música sino que a veces desentonan de una manera terrible. Supongo que es lo que debo aceptar por hablar de músicos no tan populares. En cualquier caso lo que importa es la música, sea mediante un enlace del youtube, del goear o de otro servidor. Así que ahí va el segundo tema de Una mattina, Ora:
Una vez le dije a un amigo que la música de Einaudi es muy inteligente. Él se sorprendió mucho porque también toca el piano y nunca habría calificado una música de inteligente. Pero es lo que me parece cuando la escucho, y en Ora aún lo percibo con más claridad. El modo en que Einaudi desarrolla un tema demuestra su inteligencia musical por la cadencia, por el ritmo, por las pausas, por la intensidad. El tempo nunca es estridente, no hay una sola nota que desentone, nada está fuera de lugar. Es una melodía absolutamente calculada. Y lo mejor es que no es fría, al contrario: esta música es una de las más cálidas que haya podido escuchar, tan humana, tan conmovedora que no dejo de admirar su belleza. ¿Cómo elegir un tema y descartar los otros? Mejor dejo que lo hagan los que colgaron vídeos en el Youtube y pongo los que allí encuentro. Como este DNA, del mismo disco, claro:
Ludovico Einaudi mezcla la música popular y la música clásica y aún no le han puesto la etiqueta de turno. Él dice sentirse cómodo con la palabra minimalista, pues le recuerda a un músico como Miles Davis, que con pocas notas parecía que notaba diez mil y con ellas creaba un mundo. A mí me basta con escucharlo, aunque pueda distinguir un sonido cercano al minimalismo en, por ejemplo, Nuvole nere:
Pocas músicas logran emocionarme tanto como lo logra la de Einaudi. Muy pocas. En un mundo donde la sensibilidad se concibe a menudo como un defecto, donde se idolatra la ignorancia y la indolencia y la corrupción absoluta, donde todo bien es pasajero y todo mal sólo se va para volver, parece mentira que exista alguien capaz de imaginar algo como Nuvole bianche:
Podría seguir así hasta completar todo el disco de Una mattina. Pero vale la pena ver los otros. No podría perderme una maravilla como Chanson d’amour, incluida Diario Mali, en la que presenciamos el diálogo milagroso entre el piano de Ludovico Einaudi y la balalaika de Ballake Sissoko
Estoy hablando de los temas sin orden ni concierto. Ya he perdido el hilo de cómo fue cuando lo descubrí y qué vino después. Demasiado sentimiento. Pero, por tratarse de un blog que proviene de un foro de baloncesto, aquí tengo que añadir, tras Una mattina y Diario Mali, un tema de Divenire que se ha popularizado por ser una de las sintonías de los programas de NBA. Se trata del intenso Fly:
Y seguimos con más temas de Divenire, precisamente con el que da título al disco:
Sin duda, Ludovico Einaudi está en la plenitud de su carrera musical. Sus temas tienen una línea segura y él es consciente del efecto avasallador que nos causa cuando los escuchamos. El disco Divenire tiene un punto de magnificencia que en otro músico podría desentonar. En Einaudi, como no podría ser de otra manera, el desarrollo está tan cuidado que nos contagia su entusiasmo hasta la última nota, ya sea exaltado como en Divenire o contenido, como en Andare:
Las piezas de Divenire se caracterizan por su largo aliento. Muchas sobrepasan los seis e incluso los siete minutos y, por supuesto, nunca desfallecen en la solución fácil sino que desembocan en la lógica, que no es precisamente lo mismo. A menudo puedes prever la siguiente nota que seguirá no porque la adivinemos, sino porque nos inmersamos tanto en la música que nos obliga a leerla. Quién no oye la voz que en Oltremare nos está diciendo: “¿te acuerdas de Chopin?”
y así llegamos a conversar con la propia música de alguna manera como si hablásemos con nosotros mismos. Por eso esta música parece adecuada para la introspección y para la concentración. Música para estudiar, que dirían los discos recopilatorios.
Así seguiríamos con los demás temas hasta completar todo el disco. Pero volvamos atrás, a los anteriores discos. El primero (muy primerizo, parte de un espectáculo teatral) es Time Out, del que pocas noticias tengo. Al ser tan anterior a los demás discos es imposible reconocer su estilo. Vamos, que ni siquiera toca el piano, como para reconocerlo. Valga como ejemplo este vídeo del espectáculo para el que fue compuesto:
Nos remontamos a ocho años después y aquí sí, en Le onde está el inconfundible piano de Ludovico Einaudi. Este és el tema homónimo al disco:
La sosegada calma con que fluye no podría describir mejor lo que transmite. Y es justamente el tono en que se remansa todo el disco. Calma, sin la emoción que vendrán en discos posteriores, pero necesaria y sorprendente calma.
Viene después el que menos me gusta de sus discos, Le Stanze, en el que Einaudi experimenta con un sonido más electrónico, pero con timidez. En líneas generales la sensación es similar a la de Le onde, pero con un resultado más tímido también. Pongo como ejemplo este Calmo:
He escrito en la lista de los discos Fuori dal mundo pero también podría haber añadido This is England porque los temas pertenecen a las bandas sonoras de sendas películas, y en la que conviven con temas de otros músicos de reggae/ska (como indica en el foro Cornelius_10). El tema titulado Fuori dal mundo es el siguiente:
En estos años Einaudi se dedica a trabajar para el cine y la televisión, como anteriormente había hecho para el teatro y la danza. En la página de la wikipedia podéis ver la lista de éstas y otras melodías que compuso para distintos ámbitos. De entre todos estos temas destacan dos tan poderosamente que se publicaron en disco y dieron nombre a los respectivos álbumes. El primer es Eden Roc, que podéis disfrutar aquí en una interpretación en directo:
Es tan entusiasmante ver cómo Ludovico Einaudi dirige su grupo, qué espectáculo, que gusto ver y sentir la música de esta manera. Todos los músicos disfrutan y te hacen disfrutar con ellos, de tan evidente como resulta. El segundo tema es el principal de una serie de la televisión italiana basada en Dr. Zhivago:
Un músico no necesita grandes medios para demostrarlo y ésta es una buena prueba de ello. La manera en que Einaudi lleva el ritmo de la pieza con su piano ya basta para sentir la profundidad de esta joya; los violines enfatizan, ponen más intensidad a la melodía, pero el piano es el instrumento principal que abre y cierra el tema, y el resto gira en torno a él. Porque es que, además de un gran compositor, Ludovico Einaudi es un extraordinario intérprete, y eso es aún más raro de encontrar. Un buen ejemplo es In un’altra vita, en la que se se basta con su piano para cortarme la respiración:
In un’altra vita forma parte de I giorni, el disco que publicó un año antes de Dr. Zhivago. Un año después lo desarrolló aún más en un concierto que dio en la famosa Scala de Milán y que logró que aún fueran más emocionantes estas joyas. Por desgracia no encuentro ninguna fuente de este concierto. En su lugar hay muchos vídeos de pianistas amateurs que, soliviantados por estas maravillas, intentan tocarlas; en vano, porque aunque la melodía sea la misma no está tocada por las manos de Einaudi.
Llego entonces a los discos de los que he hablado en primer lugar: Una mattina y Diario Mali. En ese momento, cuando ya había escuchado todo cuanto había encontrado, Einaudi publica Divenire, un disco majestuoso, con el predominio de la orquesta acompañando el infaltable piano y dotado de unos temas de largo desarrollo, como es el sorprendente Divenire, que da título al disco:
Otra nueva maravilla, otro disco para el que sobran las palabras y nunca debe faltar escucharlo de principio a fin. Así que, sin pausa ni tregua, debo enlazar
Primavera:
Monday:
Y Ritornare:
Y así podría seguir con cada uno de los temas, uno tras otro, en este nivel de exigencia, de calidad, de lo que convierte la música en una de las cimas del ser humano.
En este año, hace pocos meses, Ludovico Einaudi ha publicado dos discos. Uno en colaboración con Ronald y Robert Lipstock, Cloudland, y otro en solitario, Nightbook. Dada su reciente publicación no he encontrado más que un enlace del primero, un discos con toques electrónicos en el que se nota la mano de los invitados, pero del que no se pierde ni un ápice de la genialidad de Einaudi, tal como se aprecia en Kyril:
Y además tenemos Nightbook, del que con acierto Cornelius_10 ha dicho que es más pausado y atmosférico que Cloudland y que Divenire, pese a que contiene temas tan enérgicos como el homónimo del disco:
O este Eros, toda una obra maestra para melómanos y erotómanos:
Ya son muchos los temas citados, pero he dejado tantos, tantos sublimes. No lo haré más largo, pero sí que me gustaría terminar con esta delicada pieza, etérea como un sueño pero tan próxima, tan emocionante, que es como puedo agradecer que yo también sea humano.
miércoles, 25 de noviembre de 2009
Ryuichi Sakamoto
Como ya os avancé, es el turno ahora de un músico conocido sobre todo por sus bandas sonoras, pero también es autor de muchos otros discos excepcionales:
Ryuichi Sakamoto
Página oficial
Biografía y otros datos de la wikipedia
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Discografía (según su página de fans)
Playing the Piano (2009)
Out Of Noise (2009)
Ocean Fire (2007)
Cendre (2007)
Silk (2007)
Revep (2006)
Bricolages (2006)
Shining Boy & Little Randy (2005)
05 (2005)
Sala Santa Cecilia (2005)
Insen (2005)
Chasm (2004)
Undercooled (2004)
Documento (2004)
04 (2004)
Moto.Tronic (2003)
A Day In New York (2003)
HOON: CBL (Crazy Baby Love) (2003)
Sakura No Koro (2002)
Henkaku No Seiki (2002)
Minha Vida Como Um Filme (2002)
GEM (2002)
Comica (2002)
Elephantism (2002)
Uf:ultimate Film (2002)
Femme Fatale (2002)
US:Ultimate Solo (2002)
CM/TV Commercial/Television (2002)
Vrioon (2002)
Works I - CM (2002)
Works II - TV-Inst (2002)
Femme Fatale (Italy) (2002)
Casa (2002)
In The Lobby (At G.E.H. In London) (2001)
Pure Best (2001)
Lost Child (2001)
Eien No Ko (Eternal Child) (2000)
Hard Revenge (2000)
L.O.L Lack Of Love (2000)
Extra Index (1999)
Energy Flow (1999)
Gohatto (1999)
Raw Life Tokyo (1999)
Raw Life Osaka (1999)
Early Best Songs (1999)
Discord Gutninja Remixes (1999)
Cinemage (1999)
BTTB (1999)
Life In Progress (1999)
Discord (1998)
Anger & Grief (1998)
Discord (SK 60121) (1998)
Ura Bttb (1998)
Snake Eyes (1998)
Love Is The Devil Original Soundtrack (1998)
The Very Best Of Güt Year 1994-1997 (1997)
Music For Yohji Yamamoto Collection 1995 (1997)
El Mar Mediterrani (1997)
Smoochy (1997)
Stalker (Soundtrack) (1997)
08/21/1996 (1996)
1996 (1996)
Snooty (1996)
Sweet Revenge Tour 1994 (1995)
Virgin Tracks (1995)
Soundbytes (1994)
Little Buddha (1994)
Sweet Revenge (1994)
Opera (1993)
Wild Palms (1993)
Field Work & Steppin' into Asia & The Arrangement (1993)
Gruppo Musicale 2 (1993)
High Heels Soundtrack (1992)
Soundtracks (1992)
Better Days Of (1992)
The Sheltering Sky (1991)
In the 90's Mark Plati Remix (1991)
Neo Geo (1991)
Heartbeat (1991)
Beauty (1990)
The Handmaid's Tale (1990)
The Handmaid's Tale (Japan) (1990)
Gruppo Musicale (1989)
Undo #1 (1989)
Tokyo Joe (1988)
Playing The Orchestra (1988)
Coda (1988)
Aile De Honneamise (1987)
Behind The Mask + 3 (1987)
The End Of Asia (1987)
The Last Emperor (1987)
Best Selection Of Ryuichi Sakamoto (1986)
Futurista (1986)
Media Bahn Live (1986)
Esperanto (1985)
Illustrated Musical Encyclopedia (1984)
Ongaku Zukan (Illustrated Musical Encyclopedia) (1984)
Merry Christmas, Mr. Lawrence (1984)
Left Handed Dream (1981)
B-2 Unit (1980)
Summer Nerves (1979)
Thousand Knives of Ryuichi Sakamoto (1978)
Disappointment - Haterma (1975)
La amplia y prolífica trayectoria de Ryuichi Sakamoto ha propiciado una gran cantidad de discos, muchos de ellos formados por versiones de sus propios temas en, más que versiones, revisiones de una melodía con otra instrumentación y otros arreglos. Es el caso del que seguramente es su tema más conocido, Feliz Navidad, Mr. Lawrence, aquí en una versión en directo:
Ésta es precisamente la composición que me indujo a interesarme por su música. Para mí durante muchos años Ryuichi Sakamoto era “Feliz Navidad, Mr. Lawrence”, y eso es algo muy injusto para el resto de su obra. Es evidente que no se trata de un músico de una sola canción, por mucho que él mismo la haya adoptado como insignia y es raro el reportaje en el que no se le vea interpretándola. Sin ir más lejos, en el Youtube es la primera entrada con la que nos encontramos. Este tema forma parte de la banda sonora de la película homónima con la que ha llegado a ser tan conocida y que en 1983 protagonizó junto a David Bowie. Siendo tan significativo vale la pena escuchar este tema también en su versión original:
Pero su trayectoria discográfica empezó a difundirse en 1978 (¡hace ya 31 años!) con Thousand Knives: http://www.youtube.com/watch?v=HmxR2GP5GFc
Ésta es una versión en directo del tema que da título al disco, pero como sus múltiples las variaciones de los temas no está de más que el enlace sea de una más reciente. El sonido tan fresco de Sakamoto es la mejor prueba de la calida de su música. Éste es otro ejemplo, Gonna Go To I Colony, incluido en Summer Nerves:
Con tan sólo tres temas ya se puede apreciar la búsqueda innovadora que Sakamoto se propone en cada disco, mezclando sonidos, instrumentos electrónicos y acústicos, voces y adelantándose a las tendencias del momento. Es un claro ejemplo The Left Bank, del disco Left-Handed Dream y con un inconfundible sonido de los ’80. Pero claro, tan sólo es de 1981:
Luego vendría su gran éxito de la banda sonora de la que ya he hablado y la experimentación de combinar la música oriental con la música occidental, aprovechando la popularización que le dio la película. Así tenemos este Paradise Lost del disco Illustrated Musical Encyclopedia (1984):
Eso no significa que Sakamoto se deje llevar por la moda sino más bien, como he dicho, que él se adelanta a la moda. Yo no soy un especialista en su música, aún tengo que descubrir y redescubrir muchos de sus discos, pero en todos siempre me he encontrado con la sensación que en todo momento sabe muy bien qué está haciendo y por qué lo hace. Que otros músicos sigan o no sus pasos o coincidan con su estética es algo anecdótico. Pongamos por caso este G.T. II del disco Futurista:
La primera impresión que he tenido es que el tema me ha recordado a otros tantos de esa bizarra formación llamada (The) Art Of Noise que fue tan popular en los ’80 por Moments in Love y sobre todo por la versión cantada, por Tom Jones, de la canción Kiss de Prince, pero no precisamente por estos temas, sino por otros del mismo grupo, como Close o Beat Box. No cito enlaces para no irme más por las ramas. Y como ya me estoy alargando mucho lo dejo aquí y lo completo, como las anteriores entradas, en el blog del Caosmos.
Quedan muchos otros discos de los que hablar, pues sólo estamos en 1986. Y un disco por año dan para muchos discos en dos décadas. El estilo de cada uno dependía a menudo de las colaboraciones, muy habituales en su trayectoria. Así, en Neo Geo (1987) combina una sonoridad más cercana al pop en Risky por intervenir Iggy Pop:
o una versión moderna de un tema tradicional al que da título al disco:
o la suave cadencia que le infunde a Diabaram (de Beauty, 1990) la expresiva voz de Youssou N’Dour:
Pero la faceta más conocida de Ryuichi Sakamoto es la de compositor de bandas sonoras. Primero fue la de “Bienvenido, Mr. Lawrence” y en 1987 será la de “El último emperador”, una composición tan emocionante como la película (recuerdo haberla visto hace muchos años y aún así la sigo recordando con cariño) que además le valió un Oscar, aunque esto de los premios siempre me ha parecido muy relativo y a menudo irrelevante. Esta pieza es digna de toda la magnificencia de un emperador:
Las de “El cielo protector”
y “Pequeño Buda”
también son magníficas y, aunque no hayan sido igualmente premiadas, no tienen nada que envidiar a la de “El último emperador”.
También, cómo no, es como conocido por haber tocado en la ceremonia de los Juegos Olímpicos de Barcelona:
Su sensibilidad es comparable a la de una partida sin retorno o a la de descubrir un oasis en medio de un desierto. Cuando, hoy en día, parece que cada vez sea más raro conmoverse y que incluso sea visto como un reproche, alguien que durante tantos años sea capaz de trazar estos nuevos mundos.
Otra banda sonora es la de Babel, al menos en parte, ya que la mayoría de los temas son de Gustavo Santaolalla. Per uno de los de Ryuichi Sakamato es Bilbo No Aozora:
Hace unos pocos días ha publicado dos discos: Playing the Piano (versión al piano solo de sus temas más conocidos) y Out of Noise (una recreación del silencio en clave musical). Ambos son memorables, como no podía ser de otra manera. Del primero, muchos de los que he citado en su versión al piano pertenecen a ese disco. Para añadir uno nuevo, éste es Silk Endroll, del disco Silk, que publicó hace un año:
Del segundo disco, dada su cercana publicación aún es difícil encontrar alguna pieza colgada en internet, pero la menos está el vídeo de promoción:
Habría que citar muchos otros discos memorables que no deberían pasar desapercibidos. Es una lástima dejar tantos pendientes. Pero esto debe ser tan sólo unas breves anotaciones de la trayectoria de alguien por quien la música puede ser un arte. Ojalá encontrara hoy mejores palabras, palabras que pudieran ser dignas de mandárselas como un fan, ya ni siquiera como un crítico. Quede al menos la intención, valga como homenaje.
sábado, 7 de noviembre de 2009
Wim Mertens
Es el turno de un músico muy prolífico al que con los años le he ido tomando cada vez más cariño:
Página oficial
Biografía y otra información de la Wikipedia
Discografía
· For Amusement Only (The Sound Of Pinball Machines) (1982)
· At Home - Not At Home
· Vergessen (1982)
· Struggle For Pleasure (1983)
· Maximizing The Audience (1984)
· Instrumental Songs (1985)
· A Man Of No Fortune And With A Name To Come (1986)
· Educes Me (1987)
· The Belly Of An Architect [Original Soundtrack] (1987)
· After Virtue (1988)
· Motives For Writing (1989)
· Alle Dinghe (1991)
· Stratégie De La Rupture (1991)
· Shot and Echo (1992)
· A Sense Of Place (1993)
· Epic That Never Was [Live Concert] (1994)
· Gave Van Niets (1994)
· Jeremiades (1995)
· Entre Dos Mares (1996)
· Lisa (1996)
· Jardin Clos (1996)
· Sin Embargo (1997)
· Best Of [Compilation] (1997)
· Integer Valor (1998)
· Father Damien [Original Soudtrack] (1999)
· Integer Valor – Intégrale (1999)
· Kere Weerom (1999)
· If I Can [Original Recording 1986] (2000)
· Der Heisse Brei (2000)
· At Home - Not At Home [Reissue (Reedición) 2001]
· If Five Is Part Of Ten Part I: If Five Is Part Of Ten (2001)
· Years Without History - Vol. 1 - Mains De Mètre, Assez De Rythme [Paris 1.10.1992] [Live Concert; luego vendrán otros siete volúmenes más] (2002)
· Antología - Lo Mejor De Wim Mertens [Compilation] (2002)
· Ver Veranderingen [Original Recording 1981] (2003)
· Skopos (2003)
· Un respiro (2005)
· Partes Extra Partes [New Recording Compilation] (2006)
· What You See Is What You Hear [DVD] (2006)
· Receptacle (2007)
· L´heure Du Loup ((2008)
· Music And Film [Compilation. 3-CD Boxset with over 20 unreleased tracks] (2009)
· The world tout court (2009)
· QUA (2009)
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Como veis, su discografía es larguísima, tanto que llega a publicar más de un disco por año. Algunos son recopilaciones y conciertos en directo, es verdad, pero es impresionante la creatividad de este músico infatigable. A pesar de lo que me interesan, aún no he podido escucharlos todos.
Su estilo es fácil de reconocer, porque es lo que se ha llamado minimalismo, que viene a ser una melodía basada en la repetición de una secuencia de sonidos que evoluciona a medida que se sucede la música. Pongamos como ejemplo uno de sus temas más conocidos, Struggle For Pleasure:
El repiquetear del piano impone un ritmo frenético, tanto que puede ser algo duro si lo escuchas por primera vez. Durante mucho tiempo no me gustó Wim Mertens, algunos temas sí, pero la mayoría eran justamente una lucha por el placer. Claro que otros me conmovían desde la primera nota. Close Cover fue uno de ellos:
Pero el primer tema de Wim Mertens que conocí y que me llamó la atención fue Maximizing The Audience (lástima que aquí falta el final):
Los once minutos que dura se me hacían cortos y los necesitaba una y otra vez. Como a mi hermano, por quien lo conocí. Yo aún no sabía ni qué músico era. Cuando tendría 7 u 8 años mi hermano lo ponía a todo volumen, lo silbaba, terminaba el tema y volvía a ponerlo. Y yo, no sé por qué, pensaba que era Nana Mouskouri. ¿Qué tienen que ver Wim Mertens y Nana Mouskouri? Nada. Pero con esa idea no sabía de nombres ni me interesaba. Sólo quería escuchar la música, sólo importaba eso.
Muy lentamente fui descubriendo sus composiciones. Aún sólo me interesaba por temas sueltos, no por ningún disco. Así también me pasó con 4 Mains, otro de esos pianos imposibles de tocar sin que te duelan los dedos (probadlo, intentad llevar el ritmo):
En estos primeros temas (todos de los ’80) destaca, en cuanto al ritmo, ese final abrupto con el que parece que terminen de repente. Ésta es otra característica del minimalismo que también veremos en otros músicos afines. En el caso de Wim Mertens es un recurso que usó durante muchos años, pero actualmente lo ha cambiado por el final más, digamos, cerrado.
Creo que el primer disco completo que conocí fue Educes Me. Es de 1987, pero yo lo debí de descubrir cinco o seis años después. Fue por este disco por el que me planteé seriamente aprender a escuchar a Wim Mertens como si fuera una educación sentimental. Vale la pena el esfuerzo (pensaba) y disfrutar A Visiting Card
si luego viene algo tan bello como The Fosse
Porque por algo forman parte del mismo trabajo: es así cómo tenemos la percepción de todo un disco, algo que se pierde en las descargas de temas sueltos (y de los ejemplos que estoy poniendo).
Finalmente sucumbí a su música con Jardin Clos. Hay tanta creatividad en cada una de estas joyas, tanta. Es delicioso. Pongo el enlace sólo a tres temas, pero debería ponerlo de todos. Es increíble el lento despliegue de Often a Bird (el vídeo no tiene nada que ver con la música)
el abrazo de voces de A Secret Burning
la armonía del piano, la orquesta y el coro de Hedgehog’s Skin
y así, a este nivel de calidad, todos los temas.
A partir de esta maravilla busqué sin prejuicios todo lo que Wim Mertens publica, anterior o posterior a éste. Y por fin pude disfrutarlo como yo deseaba, sin prejuicios atávicos ni opiniones contrarias. Una amiga me regaló dos discos anteriores a Jardin Clos: Motives for writing y Shot and Echo. Del primero aquí tenéis No testament
Del segundo, Their duet
Otro de los discos de Wim Mertens en que por fuerza debo detenerme es Integer Valor, publicado dos años después de Jardin Clos, pero en lugar de su entusiasmo aquí hallamos reflexión. El disco fue ampliado hasta ser tres discos (CD 1, 2, 3) al año siguiente, en 1999.
Ésta es la doble cara de Wim Mertens como músico. Por un lado, frenético, impulsivo, entusiasta, intenso; por otro, relajante, reflexivo, melancólico, intenso. En este vídeo de los conciertos de Radio 3 comienza con temas en esta segunda línea (tocando varios temas del disco Der Heisse Brei que publicó en el año 2000) para terminar con uno más afín a la primera, Yes, I Never Did, del disco Integer Valor:
En estos discos de finales de los noventa e inicios de la década actual ya advertimos su estética actual: los finales bruscos se han convertido definitivamente en finales más completos; el piano sigue siendo su instrumento de referencia, pero no el único. En su experimentación sigue siendo muy audaz. Es una lástima que en internet sea difícil encontrar sus temas, tanto en el youtube como en goear. Por eso tengo que dejar tan sólo un tema más, o más bien un tema en dos versiones (instrumental y vocal). Se trata de Passend, otra emocionante pieza de, en este caso, el disco Receptable que este músico belga publicó hace apenas dos años.
La instrumental:
La vocal:
Y luego han venido otros discos, dos en este mismo año, en 2009. Y la calidad siempre ha sido altísima. Cuando su música no es buena es sencillamente extraordinaria. Alguna vez he oído que él, con orgullo, ha declarado que es un genio. Con lo reticente que soy yo a la palabra no han sido pocas las veces que también lo he pensado yo.
